Receitas tradicionais

Equipe Yardbird gosta da energia do Brooklyn para expansão de restaurantes

Equipe Yardbird gosta da energia do Brooklyn para expansão de restaurantes

O Chef Jeff McInnis teve um grande passeio nos últimos dois anos. No ano passado, durante o South Beach Wine & Food Festival, grande parte do burburinho no Twitter da mídia gastronômica, frequentadores do festival e insiders e profissionais de restaurantes foi em torno seu restaurante relativamente novo Yardbird. O ano seguinte significou mais agitação e, recentemente, notícias sobre uma expansão de seu cardápio sulista para além das fronteiras da Flórida. Isso mesmo, ele está indo para Nova York (evidência de que você pode ir ainda mais longe ao norte para encontrar o sul?). Portanto, não deve ser surpresa que McInnis esteja participando do festival deste ano (de 21 a 24 de fevereiro).

Nesta entrevista com o Chef McInnis e o proprietário do Yardbird, John Kunkel (fundador da 50 ovos) prevendo o festival (parte de uma série de entrevistas que antecederam o evento), o chef e o proprietário falam sobre como as coisas mudaram (ou não mudaram) no ano passado, o que o Chef McInnis estará cozinhando no Chicken Coup do festival evento deste ano, as origens da receita de frango frito do Yardbird (tem 100 anos), por que o Brooklyn para a expansão do Yardbird e onde mais ele estaria interessado em abrir um restaurante. Continue a ler e confira este vídeo recente com o chef para mais informações sobre o Yardbird.

Você está participando do Chicken Coupe de Andrew Carmellini. Você está planejando cozinhar seu frango e waffles exclusivos? Se sim, você está fazendo algo diferente com ele? E se não, o que você está fazendo?
Jeff McInnis: Para o Chicken Coup, estamos preparando nossos biscoitos de frango Mama’s exclusivos, feitos com biscoitos de leitelho escamoso, frango crocante, geléia de pimenta e rabanete melancia em conserva.

No ano passado, seu restaurante foi um dos queridinhos do festival, um dos pontos mais comentados. Como foi isso?
JM: Foi uma ótima experiência. Conseguimos cozinhar no restaurante para muitos chefs e visitantes que vieram à cidade para o festival, e o feedback foi tremendo.

E como as coisas mudaram no ano passado?
JM: Não mudamos. Fizemos algumas pequenas alterações em nosso menu - muitas delas sazonais - mas ainda somos os mesmos e estamos fortes. Nossos princípios básicos não mudaram.

O que você está mais ansioso quanto ao festival?
JM: Estou ansioso para ver velhos amigos chefs que não vejo há algum tempo.

No ano passado, quando a visitamos, a comida estava muito gostosa, mas ficamos realmente maravilhados com o serviço, a simpatia e o seu toque pessoal. Você pode falar um pouco sobre a filosofia por trás do Yardbird como um restaurante como um todo e o que você tentou realizar com ele?
JM: Pregamos o evangelho da boa e velha hospitalidade sulista em tudo o que fazemos. Da comida ao serviço, garantimos que ninguém sai sem ter experiências memoráveis ​​e únicas.

Quais são os três locais em Miami, lama ou ópera, sanduíche ou menu de degustação de seis pratos, que você está mais animado agora?
JM: Khong River House, que foi inaugurada no mês passado; Shaker quebrado, que é um lounge moderno para coquetéis ao ar livre; e sala de recreação no The Gale Hotel.

As pessoas costumam dizer sobre a Flórida, você tem que ir para o norte para ir para o sul. O que você acha disso?
JM: Além do Yardbird e do Swine Southern Table & Bar prestes a abrir, não há muitos restaurantes ou gente de inspiração sulista na área.

Qual é o segredo do ótimo frango frito?
JM: Uma ave caipira boa e suculenta, óleo quente, muito tempero e a quantidade certa de salmoura.

De quem você modelou o frango frito para o seu, se é de alguém? E os waffles ... qual foi a inspiração para essa receita?
JM: Fizemos muitos testes para a abertura do Yardbird. E depois de tudo dito e feito, decidimos por uma receita de 100 anos que pertenceu à avó do meu parceiro John Kunkel. É uma receita antiga que resistiu ao teste do tempo.

Grub Street relatou que você está pensando em abrir um restaurante em Nova York, e que tem visitado Park Slope e gosta daquela área. O que há em Park Slope e Brooklyn que o atrai?
John Kunkel: Embora Park Slope seja interessante e tenha uma ótima sensação, estamos mantendo nossas opções abertas e procurando o espaço certo em toda a cidade de Nova York. Não estamos com pressa, entretanto.

É interessante que você esteja querendo ir direto para além de Manhattan e direto para o Brooklyn ... por que Brooklyn? Manhattan é demais ou o Brooklyn é realmente muito mais atraente?
JK: Nada está definido ainda e certamente estamos mantendo todas as nossas opções em aberto, mas o Brooklyn tem uma grande energia e entusiasmo sobre isso.

Com certeza, você provavelmente não está olhando para além da cidade de Nova York, mas se não estivesse pensando em abrir um restaurante em Nova York (ou Brooklyn), em que outra cidade estaria mais interessado?
JK: Nova York parece uma combinação perfeita para o Yardbird, mas existem outras grandes cidades "gastronômicas", como Chicago, que também são atraentes.

Existe outra culinária ou conceito que você realmente estaria interessado em explorar como um conceito de restaurante?
JM: Bem, existem algumas culinárias que não me intrigam. Eu sempre gosto de explorar diferentes cozinhas regionais.

Arthur Bovino é o editor executivo do Daily Meal. Leia mais artigos de Arthur, entrar em contato com ele por e-mail, ou clique aqui para siga Arthur no Twitter.


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CookUnity garante US $ 15,5 milhões em financiamento da Série A

NOVA YORK, 13 de janeiro de 2021 / PRNewswire / - CookUnity, a empresa de tecnologia de alimentos com sede em Brooklyn que lançou a primeira plataforma de assinatura direta de refeições Chef-para-Consumidor, anunciou hoje o fechamento de uma rodada de investimentos da Série A de $ 15,5 milhões.

A Fuel Venture Capital liderou a rodada de investimentos com a participação de investidores novos e existentes, incluindo a líder da rodada de sementes, IDC Ventures. Jeff Ransdell, sócio fundador e diretor administrativo da Fuel Venture Capital, fará parte do conselho de diretores.

Este financiamento traz o capital total da empresa levantado desde o início da plataforma em 2018 para US $ 23 milhões. Isso permitirá que a CookUnity se expanda pela América do Norte e expanda suas iniciativas de marketing. A CookUnity também abrirá duas novas cozinhas de última geração em Los Angeles, CA e Texas, além da cozinha original em Brooklyn, NY, para apoiar a expansão nacional.

A CookUnity tem sacudido a categoria de refeições preparadas e a indústria de restaurantes, criando um conceito de mercado totalmente novo para chefs e uma solução de refeição diária e dinâmica para os consumidores. O modelo exclusivo oferece aos chefs promissores, ao lado de donos de restaurantes e inovadores em alimentos estabelecidos, as ferramentas e recursos para diversificar e criar um negócio que priorize o digital. Com o CookUnity, os chefs geram um novo e mais previsível fluxo de receita com menor risco e maiores margens e são capazes de alcançar consumidores além das restrições geográficas de um restaurante ou zona de entrega.

Por meio de uma assinatura semanal, os consumidores escolhem entre mais de 300 refeições feitas à mão por chefs talentosos, adaptadas para satisfazer diferentes paladares e preferências alimentares. A partir de $ 10,49 / refeição, CookUnity oferece uma maneira fácil para os consumidores experimentarem refeições com qualidade de restaurante totalmente preparadas no conforto e conveniência de suas casas, todos os dias.

"Imaginamos um mundo onde os chefs não sejam mais limitados pelo capital, capacidade e limitações geográficas de um restaurante", disse o fundador e CEO da CookUnity, Mateo Marietti. & quotA empresa experimentou um crescimento incrível desde 2018, e nosso recente financiamento aponta para a confiança e demanda do mercado para esta nova categoria. Queremos colocar os chefs de volta no centro do universo alimentar e atender à demanda por uma experiência elevada de refeições em casa. Nos próximos 18 meses, esperamos expandir rapidamente nosso pool de talentos de chefs e contribuir para o que vemos como o futuro da comida. & Quot

O financiamento da Série A se baseia em um ano excepcional para a CookUnity, que viu um rápido crescimento em seus assinantes semanais e um crescimento anual de mais de 450% desde janeiro de 2020. Além disso, a CookUnity convidou 12 novos chefs no ano passado, incluindo Jean-Georges Vongerichten, Einat Admony, Esther Choi, Marc Forgione e outros, elevando o total atual para 32. A CookUnity projeta aumentar sua impressionante lista de chefs para mais de 150 em todos três cozinhas em meados de 2022.

A abertura de dois novos locais de cozinha permitirá a integração de muito mais chefs e restaurateurs talentosos, independentes e aclamados. Essa expansão oferecerá a oportunidade para chefs locais de todo o país mostrarem seus talentos em suas regiões e atingirem consumidores em todo o país. Ao contrário de qualquer outro serviço, os chefs CookUnity e suas equipes criam e preparam cada prato para que, em cada refeição, os consumidores experimentem ingredientes de qualidade selecionados manualmente por cada chef e receitas selecionadas que apresentam a abordagem culinária exclusiva dos chefs.

"Estou honrado em estar junto com a equipe da CookUnity para apoiar chefs talentosos e democratizar o acesso a alimentos de alta qualidade, sob demanda, para consumidores ávidos e apaixonados", disse o diretor administrativo da Fuel Venture Capital, Jeff Ransdell. & quotSua plataforma Chef-to-Consumer traz exatamente o tipo de força inovadora e criativa de que a indústria de hospitalidade em apuros de nosso país e as mentes talentosas por trás dela precisam hoje. Estou ansioso para apoiar a CookUnity à medida que ela continua a se expandir e conectar mais chefs a pessoas que são apaixonadas pela comida que comem. & Quot

CookUnity provou ser um salvador para chefs durante a pandemia COVID-19, à medida que os mundos dos restaurantes e chefs continuam a ser revirados. Essas mudanças repentinas demonstraram mais do que nunca a importância do modelo direto do chef para o consumidor da CookUnity. Esther Choi, Chef / Proprietária de Mŏkbar, é um dos vários chefs que creditam a CookUnity por permitir que eles contratassem de volta membros da equipe como resultado direto da receita gerada pela plataforma CookUnity.

& quotNo ano passado, a pandemia de COVID-19 acelerou a necessidade de diversificação dos chefs e forçou os consumidores a encontrar novas maneiras de acessar refeições frescas e elevadas para saborear em casa. CookUnity tem sido fundamental para permitir que eu contrate membros valiosos para a equipe e expanda meu alcance além das restrições físicas de nosso restaurante ”, diz Esther Choi.

CookUnity é a primeira plataforma de chef para consumidor, conectando um grupo diversificado de chefs talentosos com amantes da comida para criar uma experiência gastronômica caseira elevada. Um menu robusto e em constante mudança com mais de 300 refeições representa o trabalho artesanal de mais de 30 chefs talentosos focados no sabor baseado em ingredientes e na técnica culinária. Por meio de uma assinatura semanal, os consumidores podem escolher entre uma ampla variedade de pratos totalmente preparados que apresentam proteínas de origem sustentável e produtos sazonais. Acreditando que alimentos saudáveis ​​alimentam comunidades mais fortes, a CookUnity contribui para uma parceria e doação contínua com o Food Bank For New York City, a maior organização de combate à fome da cidade que trabalha para acabar com a pobreza alimentar em todos os cinco distritos. Para mais informações visite www.cookunity.com.

Sobre o Fuel Venture Capital

A Fuel Venture Capital está empenhada em impulsionar ideias inovadoras em empresas que mudam o mundo e democratizar o acesso à economia criativa para moldar o futuro da sociedade. A abordagem da empresa, focada no fundador e orientada para o investidor, é liderada por uma equipe central com mais de 60 anos de experiência combinada em banco de investimento, gestão de patrimônio, liderança executiva e empreendedorismo. O fundo possui uma carteira de mais de 20 empresas sediadas em todo o mundo em vários setores, trazendo impacto positivo a praticamente todos os cantos da nossa economia moderna. Para saber mais sobre o Fuel VC, visite fuelventurecapital.com ou siga o Fuel VC nas redes sociais via Twitter, Instagram, LinkedIn, e Facebook.

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Como Alvin Zhou, de 23 anos, equilibra os dados e a conexão no BuzzFeed's Tasty

Alvin Zhou, de 23 anos, aprendeu a cozinhar no viva-voz. Quando ele estava no colégio, sua mãe foi para a China para cuidar de seu avô, agora saudável, por alguns meses. O plano de seu pai era confiar em comida para viagem e congelada. Isso não ia funcionar para o jovem de 15 anos, então ele decidiu aprender a cozinhar. Ele ligava para sua mãe do supermercado enquanto reunia os ingredientes depois da escola e então a colocava no viva-voz enquanto aprendia a cortar e fritar, aprendendo as habilidades para alimentar sua família na ausência dela.

Hoje, como produtor de programas no Buzzfeed’s Tasty, Zhou ensina milhões de pessoas a cozinhar por meio de vídeos virais. Em setembro de 2018, as propriedades Tasty receberam globalmente quase 1,5 bilhão de visualizações no Instagram, Facebook, Twitter e YouTube. Em um cenário digital competitivo, Tasty foi pioneira em um novo gênero. Também representa a fonte de receita de crescimento mais rápido do Buzzfeed, de acordo com o The New York Times.

Alvin Zhou ajusta tortas para um vídeo de Ação de Graças

Zhou faz parte da marca desde o início. Depois de se mudar da Bay Area para Nova York para estudar na Columbia University, ele começou a cozinhar como uma forma de fazer amigos. Ele “pegava emprestado” suprimentos como Nutella, manteiga de amendoim e Oreos do refeitório da escola em xícaras de café e nunca ia a lugar nenhum sem uma guloseima para compartilhar.

Um colega de dormitório viu suas fotos no grupo do Facebook do prédio, onde compartilhou suas criações e ofereceu a ele uma câmera profissional que ele não estava usando. Zhou começou a fazer vídeos no Youtube de suas aventuras na cozinha. “Eles não estão mais online”, ele me garante.

Um graduado da Columbia que trabalhava em marketing na rede de frozen yogurt 16 Handles viu seus vídeos e pediu-lhe que criasse clipes de vídeo curtos mostrando espirais de iogurte e novos sabores, que eram exibidos em cada local. Emily Fleischaker, editora do Buzzfeed Life, agora editora de alimentos do New York Times, era fã do Froyo e perguntou a um caixa quem fazia os vídeos. Zhou ainda tem o e-mail que ela lhe enviou em junho de 2015, pedindo-lhe que vá à cozinha de teste do Buzzfeed em Chinatown para gravar alguns vídeos.

Ele pegou sua câmera e fez um plano. “Eu sabia [pela pesquisa do Instagram] que a internet amava bacon, então comecei a pensar em todas as coisas que eu poderia fazer com isso. Eu fiz um bacon taco, um bacon com queijo grelhado, um sanduíche de sorvete de bacon foram 7 pratos usando bacon. ”

O primeiro vídeo foi lançado em uma sexta-feira e Zhou cancelou todos os planos “para atualizar a cada minuto. Eu tinha expectativas muito altas por algum motivo, porque outros vídeos estavam atingindo 20 milhões de visualizações. Atingiu 500 mil visualizações, depois um milhão. Eu estava tipo, oh, eu falhei. ” Ele foi dormir às 3 da manhã e acordou para ver que a equipe do Buzzfeed Food havia postado outro vídeo: o bacon com queijo grelhado. Em poucas horas, já tinha 32 milhões de visualizações. O Buzzfeed o convidou a voltar para fazer mais vídeos. Quando o verão acabou, ele continuou a trabalhar essencialmente em tempo integral, voltando ao campus apenas para fazer o dever de casa com os amigos. Ele era grato por “aulas que não exigiam frequência”.

Naquela época, Tasty foi lançada como uma marca fora do escritório da Buzzfeed em LA e, em março de 2016, os vídeos do BuzzfeedFood tornaram-se parte da Tasty, com Zhou como o mais jovem produtor da marca.

Zhou descreve o tempo como exaustivo e contou com o apoio de amigos para passar nas aulas. Ele estava mais interessado em seu trabalho no Buzzfeed, mas queria se formar com seus pais. Cada verão era um alívio porque ele conseguia se concentrar totalmente em Tasty, ele tinha mais energia para sair para comer, buscar inspiração e experimentar novas formas de filmar. Ele desistiu antes de se formar para se dedicar ao Tasty e talvez ter algum tempo livre.

Suas responsabilidades aumentaram, enquanto ele liderava a equipe de Tasty no Facebook, trabalhando para entender o algoritmo e aumentar a duração dos vídeos de Tasty, adicionando suspense e uma sensação de história. Um sucesso, “uma lasanha de 100 camadas tinha 3 minutos e 30 segundos, mas as pessoas assistiam porque queriam ver o produto final”. Zhou é “pessoalmente obcecado por números e como usá-los, e“ em um ponto [eles] foram capazes de prever o que um vídeo alcançaria em uma semana apenas observando os primeiros 15 minutos com base em algoritmos [eles] ] desenvolvido e testes [que] executam. ”

Tasty cresceu além das expectativas mais extravagantes de Zhou e desempenhou um papel fundamental em sua expansão. A equipe ainda é pequena, com cerca de 20 a 25 produtores em LA e Nova York, e cada produtor tem total controle criativo de seus vídeos, desde o desenvolvimento da receita até a filmagem e o estilo. A cozinha, que estava cheia de tortas de Ação de Graças no início de outubro, tem apenas três pequenos fornos e não é nada espaçosa. Passando por algumas placas que anunciam o alcance da marca, Zhou acena com a cabeça "o dobro" na contagem de visualizações e compartilhamentos.

Zhou viajou para os escritórios internacionais da Buzzfeed para ajudar seis países a lançar seus próprios produtos Tasty. Em cada lugar, ele conversou com os funcionários locais sobre a cultura alimentar e o que as pessoas costumam cozinhar. Ele também traz outras ideias e intensificou seu estilo de jogo após uma visita ao BuzzfeedJapan, onde percebeu o valor da apresentação. Elegantemente vestido com um suéter sobre uma camisa de botão, Zhou confessa: “Eu costumava usar shorts e camisetas de basquete todos os dias, mas depois comecei a usar roupas de verdade”.

No mundo da comida, algumas coisas são universais, como frango e "uma forma de macarrão", mas a equipe está sempre procurando aumentar a diversidade de Tasty. Há o novo programa Talent, que apresenta uma variedade de chefs e criadores profissionais e mais conteúdo convidado em meses como o Mês da História Negra e o Mês da Herança Hispânica. Zhou reconhece que há mais trabalho a ser feito sobre isso e deseja "compartilhar uma cultura alimentar inclusiva, global e diversa" com seu grande público.

Zhou abrange dois lados da criação de conteúdo digital: ele é obcecado por dados, pensando em cada detalhe de um vídeo e como ele pode atrair um público tão amplo quanto possível. Mas ele também se preocupa profundamente com as histórias e como são contadas.

Ele agora trabalha em programas, no Youtube e outras plataformas, e está particularmente animado com programas mais longos focados em um único item e como ele é feito. O de pão, co-produzido com Vaughn Vreeland, é a última obsessão de Zhou - apresenta uma cena de pão sendo fatiado de lado e muitos close-ups, porque "com que frequência olhamos para a nossa comida de perto?" O filme, que apresenta dois padeiros de Nova York, ganhou um prêmio de escolha do público no Food Film Festival, um novo espaço para Tasty. Os comentários sobre os vídeos Tasty chegam a milhares, e aqueles que fazem o dia de Zhou falarem sobre o poder da conexão. “A comida é inerentemente social e meus comentários favoritos são aqueles em que marcam um amigo e dizem‘ devemos fazer isso juntos ’”.


NOVA YORK, 4 de janeiro de 2016 / PRNewswire / - Park Slope, o Carnem Prime Steakhouse do Brooklyn ganhou a reputação de ser uma escolha fantástica para carnes de alta qualidade. Recentemente, o restaurante anunciou o Chef C.J. juntou-se à Carnem e trouxe com ele novos itens do menu que incluem muitas escolhas emocionantes da fazenda para a mesa para complementar seus bifes, que permanecem entre os melhores na área de Nova York. A resposta à notícia foi entusiástica.

"Estamos muito entusiasmados por ter o Chef C.J se juntando à equipe aqui na Carnem e por tê-lo liderando nossa cozinha", comentou Jacob Krumgalz, proprietário da Carnem. & quot Vai ser emocionante ver como o menu evolui e temos certeza de que nossos valiosos clientes vão adorar o que o Chef C.J tem a oferecer. Ele tem sido elogiado por suas receitas exclusivas como tártaro bovino (flocos de salmão defumado / queijo azul açucarado / pêra em conserva), risoto de couve-flor (camarão grelhado / purê de tinta de lula / flocos de couve-flor dourados) e estes serão incorporados ao nosso menu, ao lado de nossos bifes de alta qualidade, que ainda oferecemos, é claro. & quot

De acordo com Krumgalz, o Chef C.J trabalhou no Japão, Austrália, França, Hong Kong e EUA e passou mais de um ano nos seguintes restaurantes nos últimos anos:

Le Bernardin, New York, NY (3 estrelas Michelin), Alain Ducasse na Essex house, New York, NY (3 estrelas Michelin), Guy Savoy no Caesars Palace, Las Vegas (2 estrelas Michelin), Alinea, Chicago, IL (3 Estrela Michelin), L2o, Chicago, IL (3 estrelas Michelin)

Carnem Prime Steakhouse está localizado na 318 5th Ave, Park Slope, Brooklyn.

Os comentários dos hóspedes continuam a ser extremamente positivos.

Rose C., do Brooklyn, disse recentemente: & quotCarnem é o lugar favorito do meu namorado e de mim para comer bifes realmente incríveis. Equipe amigável em um bairro agradável, é realmente uma noite incrível. & Quot


Em uma segunda-feira chuvosa, Aminé vence o Brooklyn Steel pela tempestade

A energia amarela brilhante de Aminé misturada com gratidão inabalável transformou um concerto em um sermão de amor-próprio criativamente magistral.

Aminé se apresenta no Brooklyn Steel na segunda-feira. (Foto de Avani Jurakhan)

Por Avani Jurakhan, redator da equipe
29 de novembro de 2018

Banana badass Aminé tocou um set profusamente íntimo após uma longa, escura e chuvosa segunda-feira, entregando faixas inspiradas no hip-hop para uma multidão com ingressos esgotados no Brooklyn Steel.

O local íntimo estava muito cheio - mas confortavelmente respirável - enquanto eu estava no meio de uma das multidões mais amigáveis ​​que eu já experimentei. Não houve empurrões acompanhados de "Estou apenas tentando chegar ao meu amigo!" ou bebidas derramadas emparelhadas com ameaças passivo-agressivas. Fazia todo o sentido para o show dele.

Aminé é sem dúvida um dos rappers contemporâneos mais humildes e amorosos. Isso foi enfatizado no início do show. O bom amigo de Aminé e homem do hype, DJ Madison LST, começou o set incentivando a multidão a se mover e ser imprudente no momento.

Então, o sorriso brilhante de Ricky Thompson apareceu na tela do palco e pregou um discurso clássico da marca ONEPOINTFIVE exigindo que a multidão se iluminasse e se preparasse para a música incrível que vinha em nossa direção. Thompson é um dos próximos comediantes favoritos de Aminé e narra a totalidade de seu mais novo álbum com incentivo, amor-próprio e abraço total à vida.

Esta introdução poderosa só se fortaleceu quando o rapper altamente antecipado correu em um corte todo branco com uma pálpebra pintada de rosa brilhante. Sua primeira música foi a mais vulnerável até o momento, “DR. QUEM. ” Aminé explicou a música como sua versão de uma sessão de terapia. A atmosfera imediata de apoio era tangível enquanto as crianças em todo o local cantavam as letras poéticas de Aminé em perfeita sincronia.

A tela do palco do show era o aspecto mais magnético do show e o catalisador mais estável para transformar um show dentro da mente neon do rapper. Durante as canções “CHINGY”, “BLACKJACK” e “Spice Girl”, as respectivas celebridades foram agrupadas em vídeos e fotos emocionantes na tela. Thompson voltou a dançar em seu estilo infame e fez outro discurso como um rápido intervalo.

Havia várias frases motivadoras, como "Vida muito curta, sorria n — a" e "sonhos são fáceis de realizar, acreditar é a parte difícil" em letras maiúsculas simples contra fundos brilhantes com um sutil gotejamento digital de mel ou banana aqui e ali .

O momento mais afetuoso e memorável da noite, porém, foi quando um pôr do sol carmesim incrivelmente profundo apareceu atrás de Aminé e lentamente fluiu em torno de um maço de bananas caramelo. O rapper então nos levou a tentar esquecer completamente o clima nojento de Nova York e fingir que este era o céu atual.

Ao longo de todo o set, ele gritava continuamente "Você é linda!" em que a multidão teve que responder com "Eu sei!" com tanta felicidade quanto pudemos. Todos claramente gostaram do aumento de confiança constante e um fã foi até escolhido na multidão para subir no palco. Ele tinha uma placa que dizia "EU SOU O LATINO RICKEY THOMPSON LEMME TWERK 4 U" e, embora não tenhamos visto twerking, ele assinou as calças de Aminé.

Seus corredores estavam cheios de um quarto neste ponto e o rapper explicou que ele escolhe os fãs para simplesmente escrever uma meta ou aspiração que eles têm como uma forma de coletar lembranças significativas. Depois que esse fã sortudo moveu-se para o lado do palco, A $ AP Ferg apareceu para surpreender a multidão com uma performance de “Plain Jane”. A multidão de Nova York era mais do que familiar e mais do que entusiasmo para essa participação especial. A noite terminou com seu banger "REEL IT IN" e não havia um rosto sem um sorriso na casa. A capacidade de Aminé de executar um show verdadeiro ao mesmo tempo em que é intocável e incomensuravelmente modesto é incrível.


KYU Restaurant continua expansão com NYC Outpost

Desde 2016, KYU tem sido um marco no bairro criativo e eclético de Wynwood em Miami. Considerado um dos melhores restaurantes dos Estados Unidos, o restaurante de inspiração asiática a lenha recebeu vários elogios desde o seu início, incluindo uma homenagem semifinalista da James Beard Foundation para Melhor Novo Restaurante em 2017 e o “Melhor Restaurante da Flórida” da TIME . ” Na esteira do sucesso da localização de Miami e um segundo posto avançado aberto na Cidade do México no verão de 2020, KYU está definido para expansão global por meio de uma nova parceria com a empresa britânica Reuben Brothers. Os Reubens, junto com os empresários e fundadores da KYU Alan Omsky e Jordan Sayfie, planejam expandir a marca da KYU pela América e Europa, começando com a cidade de Nova York.

“Estamos entusiasmados com esta nova parceria com um grupo tão prestigioso como os Irmãos Reuben e a oportunidade de expandir a KYU para cidades em todo o mundo”, diz Omsky. “Este tem sido um momento incrivelmente desafiador para nossa indústria, e estamos orgulhosos do ímpeto e da trajetória do restaurante, ao mesmo tempo em que nos mantemos fiéis ao nosso menu diversificado, serviço profissional e descontraído e compromisso com as práticas verdes.”

A equipe executiva poderosa da KYU, juntamente com muitos membros da equipe diligentes do passado e do presente, permanecerão a bordo e continuarão a fornecer de forma consistente o renomado nível de serviço da KYU e o menu inovador e delicioso. Juntando-se à equipe executiva como diretor administrativo, George Atterbury, que liderará o crescimento e o desenvolvimento dessas expansões, traz um extenso portfólio de hospitalidade.

O chef executivo Raheem Sealey, ex-Zuma and Pao e que liderou a cozinha KYU nos últimos três anos, continuará a liderar todos os aspectos culinários da KYU, mantendo-se fiel aos métodos originais de grelhar a lenha yakiniku japoneses. Todos os pratos de assinatura e favoritos do público permanecerão no menu, incluindo a panela de pedra de arroz frito tailandês com caranguejo, peito de pato "pontas queimadas", peito de carne wagyu, couve-flor totalmente assada com queijo de cabra e vinagrete de erva shishito, tártaro de atum crocante, hamachi fatiado e o popular bolo de coco. Sealey também trará seu próprio talento para o menu e pretende lançar pratos exclusivos e inovadores em sua nova função. Vindo de St. Croix, seguido por anos de treinamento em algumas das melhores cozinhas de Miami, incluindo Michael's Genuine, o chef Sealey se juntou à KYU quando ela foi inaugurada em fevereiro de 2016 como sous chef e foi rapidamente promovido a chef executivo graças à sua dedicação e trabalho árduo. e talento, e continua a liderar a inovação culinária da KYU até hoje.

O menu apresenta uma variedade de especialidades grelhadas, produtos de origem local e métodos de cozimento em forno de lenha "lento e lento". As placas são projetadas para serem simples e compartilháveis, permitindo um ambiente social acolhedor. O brunch de domingo também está disponível, servindo pratos como banana crocante e torrada francesa de bourbon, ovos benedict com caranguejo de casca mole ou porco crocante e um Bloody Mary Kimchi.

“Estou muito honrado em continuar minha jornada com KYU como chef executivo”, diz Sealey. “Estou ansioso para compartilhar KYU com o resto do mundo conforme a expansão começa a ser lançada, fornecendo pratos simples, mas inovadores e verdadeiramente deliciosos.”

O programa do bar do KYU complementa perfeitamente o menu de forno a lenha e de inspiração asiática, oferecendo uma lista de coquetéis cuidadosamente selecionados com variações de coquetéis clássicos com um toque asiático inteligente. Os destaques incluem o Wynwood Mule, infundido com vodka, cerveja de gengibre, bitters e três horas de abacaxi fumado em casa, o Spicy Shiso Sour elaborado com tequila, suco de pepino recém-prensado e tintura de pimenta tailandesa e a Raging Geisha, feita com duplo Uísque japonês Toki envelhecido, manjericão tailandês, pepinos obliterados e endro fresco.

Após um breve fechamento devido à pandemia de COVID-19, a localização principal do restaurante em Miami passou por pequenas reformas para adicionar mesas externas cobertas, além de seu terraço externo, sala de jantar coberta com 100 lugares e área de bar com oito lugares. Barreiras de plexiglass também foram instaladas entre as mesas e os assentos do bar para fornecer ainda mais um ambiente seguro para os hóspedes. Quando os fundadores da KYU abriram pela primeira vez o restaurante de 4.000 pés quadrados em 2016, seu pilar de inspiração veio do design wabi-sabi - uma visão de mundo japonesa que abraça e encontra beleza na imperfeição e profundidade na natureza. Fiel ao local, os hóspedes que se aproximam de KYU são recebidos com uma entrada emocionante flanqueada por um mural à esquerda do artista local 2ALAS em seu estilo linear característico e uma parede de plantas vivas exuberantes à direita. O equilíbrio dessas paredes paralelas cria uma transição adequada de fora para dentro.

Uma vez dentro do restaurante, paredes de micro-cimento com pouca iluminação oferecem uma pausa das cores vivas e murais ocupados do lado de fora, e madeira recuperada e toques pessoais adicionam calor ao espaço normalmente industrial. Espelhando a natureza de duelo do mural da entrada e da parede viva, a cozinha e o bar ficam em lados opostos do restaurante. A sala é dividida em três seções - um bar, restaurante e lounge - com unidades de madeira e ferro feitas sob medida. No espírito do wabi-sabi, essas unidades usam ferro em escala de moinho com solda exposta que é deliberadamente imperfeita, e as prateleiras incorporadas estão cheias de livros de receitas, micro-ervas e toques caseiros de cerâmica que convidam os hóspedes a explorar e interagir com os arredores.

Os toques finais em todos os restaurantes são exemplos prolíficos da promessa da KYU de maximizar a sustentabilidade ambiental global, incluindo a compra responsável de alimentos e o plantio de árvores para compensar as usadas pela churrasqueira a carvão.


Carla & # 39s Hall of flame

Refletindo sobre o fim de seu estabelecimento, Hall disse em 2017: "Como financiamos o restaurante é realmente o que levou à nossa queda". Ela crowdsourced o esforço através do Kickstarter, que deixou um gosto ruim na boca de muitas pessoas. As pessoas a conheciam como uma celebridade de sucesso, mas não sabiam quanto tempo e dinheiro deveriam ser investidos em um restaurante. "Então, tínhamos todas essas pessoas basicamente nos perguntando: 'O que houve? Você está roubando nosso dinheiro?'", Lembrou Hall.

Hall was also hamstrung by her ABC contract, which imposed restrictions on self-promotion. That meant not mentioning her restaurant on TV or social media as much as she otherwise could have and apparently needed to. Plus, because she was so well-known, her restaurant team emphasized avenues of expansion rather than ensuring the first restaurant was strong enough to prosper.

Unfortunately, setbacks abounded. An electrical fire combined with other problems put Carla Hall's Southern Kitchen out of commission for a month, per Comedor. Afterward, the general manager jumped ship, which promptly began sinking. "From that point on, things just started to go downhill," Hall said. She received a harsh lesson in the importance of experience, realizing that even an avid dancer can't just waltz into the restaurant world and conquer it. But she also recognized failure as a step toward success, declaring, "Don't count me out just yet. I've learned some lessons, and you better believe I won't make the same mistakes twice."


ARCHITECTURE VIEW A Japanese Master Debuts On Two Coasts

It is clearly Arata Isozaki's season. The Japanese architect's Museum of Contemporary Art in Los Angeles, among the most eagerly awaited buildings in the United States, opens Dec. 10. And earlier this month, , as if to add to the mounting excitement, the Brooklyn Museum announced that it had hired the team of Mr. Isozaki and James Stewart Polshek & Partners to design a renovation and major expansion of its landmark Beaux-Arts building.

If the Brooklyn building moves ahead, it will mean that Mr. Isozaki - who at this point is arguably Japan's greatest architect and an increasingly important figure on the international architectural scene - will become one of the most conspicuous designers of museums in the United States, with a major new museum on both coasts. The ambitious Brooklyn project is expected to cost roughly $200 million, which the museum has yet to raise, and it must also win the approval of the New York City Landmarks Preservation Commission.

Until now, Mr. Isozaki's reputation in the United States has been based mainly on his work in Japan and on his elegant and widely reproduced drawings. He has only one completed project in this country, which is not a full building but an interior renovation, the Palladium nightclub in New York, which opened in 1985.

The opening later this fall of the Museum of Contemporary Art in downtown Los Angeles will mean that Americans will at last be able to see a real Isozaki building, and that is something quite different from a drawing or even from so dramatic an interior as the Palladium. Mr. Isozaki's architecture is based on groups of simple, basic geometric forms, which he places with a delicate, sculptural precision. His buildings have a powerful, brooding presence to them, something American architecture has not seen in quite this way since the work of Louis Kahn.

Unlike Kahn's buildings, however, Mr. Isozaki's buildings generally have no single major element. They are compositions or assemblages, Japanese gardens constructed at monumental scale. Mr. Isozaki's is an architecture that thrusts aside the shopworn debate between modernism and postmodernism, for it is both modern and postmodern -modern in its reliance on strong, self-assured abstraction, postmodern in the degree to which it feels connected to the larger stream of history. While Mr. Isozaki rarely reproduces elements from the architecture of the past literally, he is clearly seeking inspiration from them.

The Los Angeles building, it should be stated at the outset, is an important event in American architecture more than it is a great museum building. It is sympathetic to the art that is being displayed within it, but its gallery spaces are somewhat uneven in quality, and the experience of walking through them is not one of unbridled joy. Approaching the building brings more pleasure than seeing art inside it - its great barrel-vaulted library, which leaps over the entrance to become the top of a formal gateway, and the series of glass pyramids that light the galleries give the museum a spectacular profile the rich, deep red Indian sandstone sheathing gives these shapes a deeply sensuous air.

The letdown comes as one moves closer, and here some history is in order. MOCA was formed by a group of prominent southern California collectors in 1979, and its fate was quickly tied in with that of an immense and still incomplete real estate development called California Plaza. California Plaza's developers were able to strike a deal with the city of Los Angeles to provide a building for this new museum as a means of fulfilling a city requirement that a certain portion of the budget of any new building be used for art. As part of the deal that put the museum on California Plaza's land, MOCA's board agreed to have its building meet certain restrictions set out by California Plaza's architect, Arthur Ericson.

California Plaza's requirements were that pedestrian access to the center of the larger project's site be maintained through the middle of the museum's property, and that in turn necessitated that the museum building at street level be broken into two sections, one on either side of a central plaza. Mr. Isozaki and the museum's board, however, felt strongly that all of the gallery space should be on one level, and the only way to fulfill both requirements - that the public be able to walk at street level through the middle of the project and that the galleries all be on one floor - was to place the galleries below street level, so that they could run uninterrupted from one side of the plaza to the other.

Breaking the museum into two above-street-level sections, which are united underground, does not make that much of a difference esthetically: as pure architecture, MOCA is a powerful formal composition, perhaps more interesting for the void at its center. The problem is more that all of this forces the visitor to enter the museum by descending, and there is something disquieting about going down rather than up to enter a building that aspires to a certain monumental presence. It feels a bit like going into a basement to view art, even if the basement is as grandly conceived and as handsomely detailed as this one.

The presence of a prissy and mediocre pedestrian promenade that is part of the California Plaza design, just behind the museum's own Isozaki-designed plaza, doesn't help matters, either. Neither do the slabs of housing for the elderly that are behind the new museum and, for the time being, give it an exceptionally banal backdrop. They will disappear when the space between them and the museum is filled in by the continued march of California Plaza's skyscrapers -ironically, while Mr. Ericson's designs are undistinguished, the arrival of more of them will actually improve matters. A curious thing about the Isozaki building is that it while it would not look bad if it were entirely alone and isolated, it is a real urban building (rare enough in Los Angeles!) and feels much better when it is tightly enclosed by other buildings. It doesn't do well with the kind of ambiguous surroundings it now has, in which the surrounding city is conspicuous enough to be noticeable, but not close enough to properly define the space around it.

On the other hand, the exterior of the building is exquisitely crafted. The deep red sandstone, wisely left in a rough finish, becomes even more sensual the closer we are to it the other materials, which include some glass block, some walls of dark green enamel with a crosshatching pattern of pink lines and stainless steel sign panels by Chermayeff & Geismar, play off against the sandstone with just the right amount of contrast. The mix of pink and green in the metal side walls is much less frivolous than it sounds like much of Mr. Isozaki's work, it represents an exquisite balance between the exuberant and the disciplined, between the spirited and the formal.

The visitor heading for the galleries moves from the sidewalk right down into the sunken plaza, and from there into the main lobby, whose walls are covered mainly in a crisp, sleek white crystallized glass. There is a formal, ordered procession through the galleries, beginning at the lobby and eventually returning to it it is a long and slightly tortured route, however, for it involves a long passageway between the north wing and the south, and a couple of confusing intersections.

The galleries themselves are striking, and show great respect for contemporary art -we do not have here an architecture that takes an aggressive stance toward art as at, say, the Guggenheim Museum. But several of these spaces are not quite right, either, despite the good intentions. In some cases, such as in the large galleries at the north and south ends of the building, the rooms are simply too big, and work only with temporary walls set into their midst. (Mr. Isozaki himself designed the installation for the opening exhibition, however, and the pattern of walls dividing the space is so good that one almost wishes it could be permanent.) In other cases, such as the gallery that for the opening exhibition is hung entirely with paintings by Mark Rothko, the problem is not size but the pair of pyramidal skylights. They create a highly uncomfortable sense that the space has been divided in two (though it has not), and the line between the pyramids seems to bear down on us, like a knife slicing into the space.

If the pyramidal skylights cause a problem in this gallery, however, they make another room rise to real architectural greatness. The finest gallery is a room 45 feet square, its ceiling converging to a single, immense pyramid with a skylight in the center. The room is 45 feet high at its highest point, so the space feels like a cube whose upper section has been sliced away it is light, bright, high and strong, and the single pyramid seems to focus energy and enliven the art without in any sense competing with it. The walls contain paintings by Franz Kline, and sculptures of David Smith are in the middle of the room they are powerful works, and the power of this space, rather than upstaging that of the art, seems only to enrich it. This room alone is worth a visit to the museum - it is the place in which the dialogue between art and architecture becomes truly eloquent.

There are other fine moments here, though none as sublime. The system of long, gabled skylights in the large south gallery, which calls to mind the light monitors on the roofs of 19th-century industrial buildings, is beautiful, and creates a lovely, even, soft light. It makes one regret all the more that the space here is something like a basketball court. The auditorium, lined in raw concrete with perforated stainless steel panels on the wall, makes one think once again of Louis Kahn, as does the barrel-vaulted library at the top of the building not since Kahn has any architect brought out of rough materials such utter grace.

On balance, then, the great moments here are architectural, not museological: the forms, the spaces, the materials. MOCA is greater as a building than as a museum, but it is important to repeat that the problems are not the simple ones of architecture upstaging art. Indeed, in some cases the galleries are not too insistent as works of architecture, but too neutral, too undefined. The failings here are not those of a museum trumped by its architect - they are more those of a situation whose complexity of program made certain compromises inevitable.

There can be no question, however, that the six-year effort to bring this building to completion - which involved not only local politics but at one point provoked a bitter split within the museum's board, between supporters and detractors of Mr. Isozaki - has been worth it. Under its founding director, Pontus Hulten, and its current director, Richard Koshalek, who was orginally Mr. Hulten's deputy, MOCA even before its opening was firmly established in the front rank of museums of modern art in this country. Its original exhibition space, a converted garage by Frank Gehry that will continue to be used as an annex, is spectacular its holdings, with the magnificent Panza collection of postwar art as their centerpiece, are distinguished. The Museum of Contemporary Art now owns a building of compelling architectural presence, and that can only add to the growing significance of this six-year-old and welcome institution.

And now, Mr. Isozaki will head to Brooklyn. That is an altogether different situation, not a new institution but an old one, and not a brand-new building but a renovation and addition. But if the Brooklyn Museum is able to pull together the roughly $200 million that building the Isozaki and Polshek plan will take, it will bring to New York what may well be its most important museum structure since the Guggenheim.

The Brooklyn Museum is now housed in a Beaux-Arts building designed by McKim, Mead & White that was never completed and was badly mutilated in the 1930's by the removal of its great front staircase. Had all of McKim, Mead & White's design been built, the Brooklyn Museum would have been far grander than the Metropolitan. Mr. Isozaki and Mr. Polshek's proposal, which was the winner in an ambitious and well-executed architectural competition the museum sponsored earlier this year, begins with the premise that the McKim, Mead & White sections should be restored to their original appearance, including the reconstruction of the great, formal staircase.

Several competitors proposed expanding the museum in a classical style similar to McKim, Mead & White's, an understandable response in this age of renewed sympathy for the architecture of historical revival. Mr. Isozaki and Mr. Polshek's design, however, does not extend the Beaux-Arts classicism of the original building in a literal way, yet neither does it break away dramatically into modernism.

What the architects have done - and the look of this design suggests that Mr. Isozaki played the major role in designing the expansion wings, as Mr. Polshek probably did in the renovation of the older building - is something much more subtle than either literal classicism or orthodox modernism. The design, like that of MOCA, consists of a series of geometric forms, juxtaposed in a careful, rhythmic composition. It alludes to classicism, but only rarely employs classical elements directly.

The centerpiece of the addition, and the new centerpiece of the museum itself, would be a 150-foot high obelisk, sheathed in limestone. It would have several purposes, both actual and symbolic - it would give the museum a presence on the skyline, it would symbolize the Egyptian collection that is one of the Brooklyn Museum's treasures, and as the interior focal point of the entire building it would evoke the massive central dome that was one of the never-executed sections of the McKim, Mead & White design.

Beneath the obelisk would be one of Mr. Isozaki's characteristic barrel vaults, or half-cylinders, supported on two pairs of columns these would create a formal gateway to the rear, which would serve as the museum's secondary front. Like the formal elements of MOCA, the shapes that have been put together here are not random at all they lack simple symmetries, but they have a deeply convincing order of their own.

Indeed, the layout of the new wings, if complex, is particularly impressive, for it subtly shifts from the original axis created by McKim, Mead & White to a new one that will relate the museum to the Brooklyn Botanic Garden that is adjacent. A new restaurant would be built in a southeast wing along the new axis, oriented toward the botanic garden, along with a formal forecourt and new outdoor sculpture court. Within, the main galleries have all been redesigned, and the third floor, the grandly scaled main floor in the original McKim, Mead & White design, is once again given proper prominence thanks to the reconstruction of the entry stair from Eastern Parkway.

It is too early to tell from these initial plans how successful the new and renovated galleries will be for the display of art - although if the Museum of Contemporary Art tells us anything, it is that we can expect a situation in which architecture exists not to overwhelm art, but to engage it in a certain way. But it is not too soon to hail the Isozaki and Polshek design for engaging the Beaux-Arts classicism of the original building in a lively dialogue - the themes set forth by McKim, Mead & White are continued in this new building, not in the simplistic manner of literal reproduction but in the subtle and challenging manner of profound dialogue between the generations. The real goal here has been to create a graceful evolution from the Beaux-Arts classicism of the front to the more complex formal order of Mr. Isozaki and Mr. Polshek's addition - to weave together Beaux-Arts classicism and Mr. Isozaki's design language.

It will be some years before the museum raises the necessary funds and commences, let alone completes, construction of this ambitious plan. But its selection marks a moment as important in the history of the Brooklyn Museum as the decision to hire McKim, Mead & White nearly a century ago - for once again, the Brooklyn Museum has set its sights high, choosing an architect who represents the best of his time. As an Isozaki building has conferred a kind of status to the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, so it will stand as a sign that the Brooklyn Museum is committed to architecture in its most ennobling and enlightening form.


'86'D': A Series Of Friendly (But Fierce) Battles Of Local Chefs

The two apron-clad chefs entered the kitchen at West Hartford's Savoy Pizzeria to the sounds of a cheering audience and thumping hip-hop beats, primed for a gastronomic duel.

Before facing three mystery proteins and sauces that would determine their competitive dishes, the chefs were asked to present an ingredient of their choosing. Eric Stagl, in keeping with the specialty of his food truck, Yardbird & Co., held up a whole chicken with its head and feet intact.

Van Hurd of Middletown's Taino Smokehouse brandished a live lobster, which was still kicking.

"Lobster, baby!" he hollered into emcee Scott Miller's microphone, unleashing a primal scream before tearing off its tail and claws.

Stagl and Hurd were the inaugural contestants at the early February launch of "86'D: A Culinary Collision," a new series of friendly battles running through August featuring Connecticut's top chefs. The late-night throwdowns, beginning at 10 p.m., are all held at open-kitchen venues within 5 miles of Hartford.

The event series is produced by Eat IN Connecticut, a West Hartford-based marketing and public-relations firm that focuses on food, drink and lifestyle clients and Miller, chief operating officer and partner of the DORO Restaurant Group. The team joined forces in December to plan interactive events that would bring people in the restaurant industry together, Miller says.

"We've been talking about doing something like this for years," he says. "Most of the times where we get together, it's so few and far between, like big charity events where we don't get to hang out."

Secrecy is part of each event: Locations are announced on the Friday before every Monday battle, and the competing chefs are only revealed to the audience at the start of the faceoff. (Chefs are paired up after organizers randomly choose names from a hat.)

The chefs, given three mystery ingredients and the use of a kitchen pantry, must create a minimum of two dishes in 45 minutes, using all three surprise items. Three judges choose the winning chef, based on point totals for originality, flavor, plating and cleanliness of their station.

Guests watch the action and root for their favorite contestant while enjoying snacks provided by the host venue and draft beer, courtesy of a beer sponsor. Each chef brings along a bartender to shake up a specialty cocktail for the crowd, and audience members are encouraged to vote for their favorite drink at the end of the night. (The winning mixologist gets a trophy, as does the winning chef.)

The organizers settled on "86'D" as a nod to kitchen jargon, a term used when a menu item has run out, to denote the cutthroat nature of the competitions. The series also benefits a local charity, with a portion of proceeds from ticket sales going to End Hunger Connecticut.

Eat IN Connecticut partners Kristen Fritz and Jeannette Dardenne say they've been gratified to see the response to the series, which saw its first two events sell out. "It's just been so incredible to watch the community embrace this not just within the restaurant industry, but the public as well," Fritz said.

"They get to see something very exciting it's like 'Chopped,' live, in their face," Dardenne says. "And people are so into food. The energy in that room it gives me chills just thinking about it. It's invigorating."

Stagl, an experienced fine-dining chef who launched the Yardbird food truck with business partner Mallary Kohlmeyer last spring, won the first competition by one point. He admitted that his first battle against Hurd was "nerve-wracking as hell" but "super fun."

"I've never done a battle like that or a contest or anything like that. . Van has obviously seen the spotlight a couple of times," he says, referencing the Taino chef's experience as a contestant on Fox's "Hell's Kitchen" reality show. "It was intense, definitely."

Despite Stagl's several years at Max's Oyster Bar, he was thrown for a loop when he was given whole parrotfish as one of his secret ingredients.

"We never cooked parrotfish, ever. I don't know much about it, but I knew I wasn't going to serve it raw." He ended up searing the fish and roasting it in Savoy's pizza oven. (Hurd butter-poached that lobster as one of his four dishes.)

Craig Hutchinson emerged victorious over Savoy managing partner Dante Paul Cistulli after their March 6 matchup at Hartford Flavor Company, thanks in part to his pasta-making skill and some luck with the featured secret ingredients: Mystic Cheese's Melinda Mae, Benton's bacon and hearts of palm. The former Caseus chef and partner in [oink], a Connecticut pop-up concept, brought semolina to the battle and won over the judges with his fresh cavatelli carbonara.

"I figured it would be impressive to make pasta dough [and] hand shape it all," Hutchinson says. "Luckily, the ingredients were in my favor and allowed me to pull out one of my all-time favorite comfort dishes." He also produced a lamb tartare dish using the Melinda Mae cheese, with hearts of palm, herbs, bacon-roasted mushrooms, Bordelaise, lemon and sea salt.

"I come from restaurants where the menu is printed every day, so being creative with different ingredients used to be a challenge," he says. "Now if I don't have that format of cooking, I get bored very quickly. I've been very fortunate to be mentored by some of the best chefs in the country, and they have always pushed me to be faster, tastier and more creative than those around me."

"My goal was to have an event where chefs can be chefs and cook their food," says Miller. "This way, they can really, really put something on a plate that stands for them, and is their food, 100 percent. And they have their peers surrounding them, and it's fun, it's different."


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